Seguro que a más de uno le habrá surgido la necesidad de hacer un slideshow de fotos con fundidos entre ellas y movimiento en After Effects, tipo Memories on Tv y similares. Aunque éste no es un software que esté pensado exactamente para este fin ( fundamentalmente por la escasez de tiempo real) y además hay otros softwares con los que hacer esto mucho más fácilmente, es verdad que una vez habituados a un programa es muy difícil salir de él para hacer algo tan sencillo.

Más que un tutorial, ésta es la explicación de una  técnica que os puede servir de utilidad a la hora de crear este tipo slideshows sencillos en After Effects sin crear ni un sólo keyframe.

La técnica consiste en crear una serie de nulos, cada uno con un movimiento básico: zoom in, zoom out, panorámica a la izquierda, panorámica a la derecha…todos ellos con una velocidad constante que luego nos servirán de base para animar las fotos.

1.Animar nulos con expresiones

ANIMAR POSICIÓN.

Esto lo haremos con una sencilla expresión aplicada al parámetro que queramos animar:

t = time*10;
x = value[0]+t;
y =288;
[ x , y ]

Pasemos a explicar estas variables, para entender mejor qué estamos
t regula la velocidad.
x es la coordenada en la que se desplaza la capa.
y es la coordenada en la que no se desplaza y puede ser situada en cualquier punto, en este caso está en el centro de una composición PAL ( 576/2=288)
Esta expresión aplicada a la posición, haría un movimiento constante hacia la derecha. Podemos graduar la velocidad elevando el multiplicador del tiempo (*10,*15,*30 etc), si el valor es negativos, invertimos el sentido.

ANIMAR ESCALA.

Esta misma expresión con pocas variantes la podemos aplicar a la escala y conseguimos así un nulo que aumenta de tamaño constantemente, o lo que podríamos llamar zoom in, aplicado a una foto.

Para ello aplicaríamos la siguiente expresión al parámetro escala del nulo:

t = time*10;
x = value[0]+t;
y =value[0]+t;
[ x , y ]

Igualando los parámetros x, y conseguimos que se escale proporcionalmente. Si restamos el valor t en vez de sumarlo, lo que haremos será un zoom out.

En realidad sólo tendremos que configurar estos nulos una vez, pues este esquema nos servirá una y otra vez en nuestras siguientes composiciones. Además podeis descargar la composición de muestra al final de este post donde ya están ubicadas las expresiones.

Una vez completado este proceso nos encontramos con una estructura de capas similar a ésta:

Es conveniente renombrar correctamente los nulos para luego vincularlos a las capas que queramos animar. Para que surta efecto los nulos además deben de estar presentes a lo largo de toda la duración de la composición.

2.Añadir y vincular imágenes a los nulos

Una vez hecho esto podemos añadir fotos a nuestra composición. Les damos a todas la misma duración (esto es opcional) y hacemos un offset entre ellas de forma que quede algo similar a esto:

Ahora vinculamos cada foto a un nulo según el tipo de movimiento que queramos darle (zoom, panorámica…). Lo haremos arrastrando la herramienta vincular al nulo correspondiente.

Una vez hecho con todas las fotos, sólo tendremos que ajustar la posición y la escala que nos guste en cada caso, sin necesidad de añadir ningún keyframe y todas irán a una velocidad constante, sin parones ni acelerones, velocidad que también podemos variar a nuestro gusto tocando el valor multiplicador de la expresón que ya vimos antes.

3.Añadir fundidos automáticos a las imágenes

Para finalizar nuestro slideshow, sólo hará falta añadir fundidos a cada capa. En vez de animar manualmente los keyframes de opacidad podemos optar por usar uno de los numerosos presets de animación que nos ofrece After Effets.

Lo entraremos en la ventana Effects&presets/behaviours/fade in+out frames.

Al aplicarlo automáticamente tendremos un fundido de entrada y otro de salida al principio y al final de la capa con la duración de frames que le indiquemos en la ventana de efectos. Además, al alargar o acortar la capa, el fundido se ajustará automáticamente a la nueva posición.

Aquí podeis ver un vídeo de cómo quedaría la composición. Se pueden apreciar los contornos de los nulos (cuadrados rojos) a los que van asociadas las imágenes.

After Effects Slideshow without keyframes from efectohd on Vimeo.

• Descargar archivos del tutorial

A falta de poco más de una semana para Navidad ya comienzan a llegar las primeras felicitaciones  al buzón, así que EfectoHD se suma a la tradición y quiere felicitar a sus lectores con esta tarjeta animada, espero que os guste:

Feliz Navidad from efectohd on Vimeo.

El controvertido y lioso tema del pixel aspect ratio, tratado ya en este blog, parece que no deja de complicarse.
En la nueva versión de After Effects CS4, Adobe ha modificado las proporciones de algunas de sus configuraciones de composición, ya que los tamaños usados durante las 9 versiones anteriores de After Effects parece ser, según reconoce el propio Adobe, que eran “ligeramente inexactos”.

Ahora, si trabajamos en pixels cuadrados en PAL, debemos configurar las composiciones en los siguientes tamaños de cuadro:

• Pixels cuadrados 4:3 (D1/DV PAL): 788×576 (antes 768×576)
  

• Pixels cuadrados 16:9 (D1/DV PAL): 1050×576 (antes 1024×576)

Estas proporciones salen de recalcular las dimensiones del cuadro PAL analógico y reinterpretarlo en digital, teniendo en cuenta la llamada “clean aperture”,que es como se denomina al tamaño total del cuadro PAL analógico contando las líneas que no llevan información de imagen. Según recomendaciones de la BBC, que son las que han llevado a Adobe a liarnos un poco más con el tema, los cálculos para llegar a esos tamaños serían los siguientes:

• Hay una medida que es siempre invariable: una imagen PAL tiene siempre 576 pixels horizontales (equivalencia digital de las 625 analógicas) 576 pixels horizontales en una proporción 4:3, proporcionan 768 pixels verticales, aplicando una regla de tres lo deducimos: (576×4)/3=768

• Los pixels en TV no son cuadrados, sino rectangulares en una proporción PAR de 1:1094, por tanto: 768/1,094= 702. Es decir, una imagen PAL analógica tiene en realidad 702×576 pixels rectangulares. ¿?
• ¿Y dónde están los18 pixels que faltan hasta los 720×576 que todos usamos?. Esos 18 pixels equivalen a las dos franjas negras laterales (de 9 pixels cada una) que habremos observado siempre que digitalizamos vídeo PAL. Esa es la llamada “clean aperture”, es decir la imagen completa PAL incluyendo las líneas de señal que no llevan información de imagen. Dentro de esa “clean aperture” o apertura completa, se encuentra la proporción de 702×576 pixels de la que hablábamos antes, que es la llamada “production aperture”, es decir exclusivamente las líneas que llevan información de imagen. Pero en digital se debe usar la apertura completa y todos sus pixels, contemplando esos 18 pixels como márgenes de seguridad, es decir 720 pixels (702+18) rectangulares.
• Una cosa más, si esos 18 pixels son rectangulares ¿qué ocurre si los convertimos a pixels cuadrados? Veamoslos haciendo el proceso inverso: 18×1,094= 20. 20 pixels cuadrados, sumados a los 768 pixels cuadrados de los que partimos equivalen a:788×576. He aquí las nuevas dimensiones que propone Adobe After Effects.
• En unas proporción de 16:9, esos 18 pixels rectangulares se convierten en 26 pixels cuadrados: (18 x 4)/ 3 = 24 pixels rectangulares que equivalen a 24 x 1,094 = 26 cuadrados. Esos 26 pixels sumados a los 1024 pixels que antes asumiamos tenía un PAL en 16:9, nos da: 1024+26= 1050×576 pixels cuadrados, que son las dimensiones correctas para componer una imagen digital PAL 16:9 en pixels cuadrados!!!

Sin dar tantas vueltas y marearnos con estas conversiones, es cierto que tenemos que asumir que los nuevos tamaños que cuadro que propone Adobe, aleccionado por la BBC, son correctos y en teoría debemos usarlos para que las proporciones de gráficos e imágenes aparezcan correctas al convertirlas en PAL.

Más información:

• Página de ADOBE

• BBC

Volvimos de vacaciones y nos encontramos con la sorpresa de Nikon: una cámara reflex, que además graba vídeo HD 720p/24fps… Pero parece que Nikon sólo ha destapado una pequeña esquina de la caja de Pandora… Jim Jannard, el creador de Red One y su prole, Scarlett y Epic, ha reaccionado y anuncia una revolución. El visionario creador de Red, que es además un fotógrafo empedernido, afirma que en un futuro cercano (tan cercano como el año que viene) iniciará el desarrollo de un nuevo concepto de cámara, al que llama DSMC (Digital Still & Motion Camera) o lo que es lo mismo una cámara, ya no de vídeo, ya no de foto, sino una cámara integral que alberguará las dos opciones. ¿Una DSLR que graba vídeo HD, una RED ONE que hace fotos de 20Mp?

Por su parte Canon parece que tiene también preparada una sorpresa en este sentido y se habla ya de que su nueva 5D podrá grabar a 1080p. La revolución está cerca.

¿Qué tal aprovechar las ópticas reflex para grabar vídeo sin toda esta parafernalia?
¿La añorada profundidad de campo por fin al alcance de todos? ¿Vídeo en formato RAW? ¿vídeo HD sobre sensores de fullframe económicos?

Esta unificación parece una evolución natural del mercado, y si RED se mantiene en esa línea, servirá de acicate para las grandes compañías, que ya ven en RED un competidor al que temer y respetar, y ¡sólo en un par de años!.

Parece que vamos a vivir de nuevo tiempos de cambio en el mercado audiovisual, ya no se trata de nuevos formatos, de SD frente HD, sino de un cambio radical de concepto, donde habrá que rediseñarlo TODO, la ergonomía de las cámaras, el acceso a los controles manuales, los formatos de grabación, los sistemas de almacenamiento, los softwares de edición y retoque… El futuro se promete interesante.

Visto en Prolost

Si os interesa el mundo de los motion graphics desde el lado del editor de vídeo, seguro que casi todos conocereis Videocopilot, la estupenda serie de tutoriales emprendida por Andrew Kramer. Si bien sus tutoriales son muy didácticos y de enorme calidad, es cierto que a veces se abusa de ellos. A veces esas técnicas y recursos son demasiado reconocibles y usados con muy poco pudor por algunos, aunque eso en absoluto le resta mérito al fantástico Kramer.
Pero rebuscando por la red podemos encontrar recursos algo menos conocidos, aunque igualmente efectivos.
Es el caso de Motion Works, otro espacio similar al de Videocopilot, pero regentado por el australiano John Dickinson, otro crack de los motion graphics rápidos y efectivos para TV. Su serie de tutoriales y consejos bien merecen un vistazo.

Por otro lado tenemos también Ayatoweb, la web de un japonés que, la verdad lleva ya algún tiempo sin actualizar su página, pero donde también podemos encontrar interesantes efectos, muy propicios para líneas de continuidad y similares.

Después de probar recientemente una versión en español de After Effects, hay algo que me queda muy claro… y es que en esta profesión el inglés no sólo es imprescindible, sino que hay términos que no se deberían nunca traducir, a riesgo de provocar un estado de síncope en el técnico de edición…
Es cierto que habitualmente todo el software de este tipo se encuentra en idioma inglés, pero en el caso de Adobe, y con toda su buena intención, podemos encontrar todo su catálogo de programas en versión española.

Es el caso de After Effects. Pero debido al carácter tan específico y técnico de algunos términos, encontramos desafortunadas traducciones y a veces resulta un verdadero quebradero de cabeza averiguar dónde están las herramientas que estamos buscando…

Por poner sólo un ejemplo, en el menú Animación> asistente de fotograma clave… encontramos las siguientes opciones que a primera vista parecen algo casi “críptico”: fácil, fin de fácil, inicio de fácil… ¿qué demonios es esto? pues una curiosa versión española de ease in, ease out… o sea, el suavizado de las curvas o splines de movimiento… confundidos aquí con el término easy, en vez de ease que sería relajado, suelto, suave… que tampoco mola mucho, pero es más apropiado.

A raíz de esto surge la reflexión de si ciertos términos técnicos deben mantenerse sin traducción con el fin de crear un “idioma” técnico común, basado en el inglés… porque ¿quién usa el término rastreador para referirse a un tracking? ¿cómo traducir “spill matte” o “pulldown”?

A pesar de que me gusta el español y una de las razones de ser de este blog es la escasa información que hay en este idioma sobre postproducción, creo que términos como tracking, matte painting, CGI, VFX, spill, garbage mask, frame, render,morphing, RGB, banding, etc, etc… son muchas veces más inteligibles si se deján en inglés, que forzando traducciones poco afortunadas…

• El vídeo no contiene audio, las pasos a seguir se dan mediante títulos en pantalla.
• Duración: 11 minutos (con algunos cortes)
• El idioma del programa está en castellano.
• Visionar a pantalla completa para su mejor seguimiento
• Descargar los materiales para realizar el tutorial aquí: redibujarcuadro.rar

Si ya visteis el impresionante vídeo de “cómo se hizo” Bloddy Omaha, la recreación del día D para la BBC que realizó Richard Hammond; con un escueto presupuesto para atrezzo y extras, 4 días de rodaje y, eso sí, varias semanas de postproducción… ahora, de mano de fxguide nos llega una historia similar.
Se trata de la TV movie Attila the Hun, producida también por la BBC y dirigida y postproducida por Gareth Edwars… sí, habeis leido bien, Edwars dirigió y también postprodujo, el solito en su casa durante 5 meses, los 250 planos que requerían FX en esta producción. Merece la pena que leais el artículo de fxguide y no os perdais el vídeo que incluye con el “breakdown” de una de las escenas.

Los planos, rodados en HD 720p, fueron editados en After Effect. Como herramienta de tracker usó Mocha de Imagineer Systems, Photoshop para los matte painting y Premiere para la edición.

A este paso pronto podremos postproducir la trilogía de El Señor de los Anillos con un portátil…