Posted by on May 19, 2013 in Historia de los VFX | 1 comment

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Perdimos a Ray Harrihausen la semana pasada a los 92, años. Quisiera aquí recordar su talento y lo que ha supuesto para la industria del cine y cómo a pesar de toda la tecnología que nos rodea, la esencia de su trabajo sigue muy presente hoy. Lo recordaremos haciendo un paralelismo entre su trabajo y las nuevas profesiones que hoy en día integran los VFX.

 

Mattes, rigging, skinning, modeling, animating, rendering, image composition… Decenas y decenas de personas realizando estas tareas para un film concreto, perfectamente sincronizadas, especializadas, combinando imágenes sintéticas con imágenes reales, engarzando frames sin que se note donde acaba la realidad y empieza la ficción… Softwares actualizados, multiples procesadores, última tecnología… los VFX  de hoy en día…

Todo suena actual, moderno, avanzado,  de última generación…pero hace ya más de medio siglo que, en las manos de un solo hombre, todas y cada una de estas disciplinas estaban ya maduras, fuera de las tripas de las máquinas…como un proceso completamente artesanal, pero en esencia igual al que  hoy esos centenares de técnicos realizan para el último blockbuster de la cartelera.

 

ARTISTA INTEGRAL

Harryhausen era un artista integral que diseñaba sus criaturas sobre papel como diestro dibujante que era,  traía al mundo tridimensional a sus personajes modelando cada músculo en arcilla o cera,  renderizaba añadiendo textura a sus pieles, escamas y  pelaje, los armaba en su interior con esqueletos articulados de invención casera y finalmente les daba vida, carácter y acción frente a una cámara. A mano, frame a frame en perfecta sincronía con imágenes reales. Hoy sería un 3D generalist sin igual.

Además Ray Harryhausen aportó nuevas técnicas al campo de la composición de imagen. Aunque no inventó el stop-motion ni el uso de rear projections, sí innovó combinándolos, haciendo composición de imagen en vivo. Lo que él llamó Dynamation. Esta técnica se basaba en proyectar metraje de imagen real en una pantalla frente a la cual situaba sus criaturas, refilmandolas luego con una cámara de manera que quedaban compuestas y parecían estar en el mismo espacio. A sobre B, foreground sobre background, tal cual. Luego  sincronizaba la maqueta con el background real frame a frame mediante stop motion. Si la criatura animada tenía que pasar por detrás de algún elemento real ya rodado en el background,  simplemente enmascaraba esa zona de la imagen pintando en negro sobre un cristal situado en primer plano. De esta forma reservaba esa parte del negativo, que no se exponía, y quedaba limpio para que, al hacer una segunda exposición, ya sin la criatura, el background apareciese obturando parte del personaje animado y previamente enmascarado. Mask en After Effects, Rotopaint en Nuke, Garbage matte en Fusion… la esencia de la composición en capas que hoy día ejecutan los softwares de composición de imagen.

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Además, si el “monstruo” en cuestión tenía que interactuar con algún elemento, por ejemplo destrozar un coche, comerse a un infeliz viandante o zarandear una palmera, estos debían ser siempre reales y estar en la mesa de animación y no en el background. Hoy en día esta máxima se sigue aplicando en los rodajes y a pesar de todos los avances en CGI, si un actor rodado por completo en chroma tiene que interactuar con algún elemento, este debería ser siempre real…aunque se retoque, se cambie o se borre luego en postproducción.

 

ESTUDIO E INFLUENCIAS

Con 14 años quedó impactado por el visionado King Kong en la gran pantalla, tanto que se preocupó en saber quién había animado aquel gran mono. Descrubrió así el nombre de Willis O´Brien y escuchó por primera vez la expresión stop-motion. Decidió expererimentar él mismo con esta técnica y se embarcó en un proyecto personal llamado Evolution of the World (1938-40), donde se dedicó a recrear escenas dinosaurios animados en stop motion en el garage de su casa. En 1939 él mismo consiguió concertar una cita con el creador de King Kong y le llevó sus maquetas. O´Brien tomó en sus manos una de las criaturas del joven Ray  y tras escrutarla le dio el  mejor consejo de su vida, según el propio Harryhausen: “las patas parecen salchichas arrugadas. Debes estudiar anatomía y aprender cómo se fijan los músculos al cuerpo.”

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Desde ese momento vio claramente que para poder lleva a cabo sus visiones necesitaba aprender con maestría diversas disciplinas entre ellas  pintura y escultura. Por ello se inscribió en clases de arte en Los Ángeles donde practicó copiando del natural y con frecuencia visitaba el zoológico para observar el comportamiento animal y su anatomía. Se empapó de referencias artísticas y aplicó sus influencias en sus trabajos. Estas fueron algunas de sus referencias, que perfectamente podrían ser las mismas de cualquier artista mattepainter actual.

  • Las ilustraciones Charles R. Knigh, presentes en los museos de Historia Natural.

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  • Los grabados de Gustave Dore, del que decía ser un director de arte cinematográfico, nacido antes de tiempo.

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  • La pintura apocalíptica del pintor inglés John Martin

John Martin - Manfred and the Alpine Witch (1837) [Whitworth Art Gallery, Manchester]

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Todos estos estudios le proporcionaron una gran preparación artística que junto con sus ideas claras le permitieron estar fuertemente involucrado en los procesos de preproducción, conceptualización  y diseño de todas las películas en las que participó.

Tras la guerra consiguió hacerse con un lote de película Kodak caducada y con ella decidió practicar los conocimientos adquiridos. Se dedicó a realizar una serie de cuentos infantiles tradicionales y animarlos en stop motion en su estudio (Little red Ridding Hood, Hansel and Gretel, Rapunzel, King Midas…). Enroló en esa tarea a sus padres que siempre le apoyaron en su empresa. Su madre fabricaba los trajes y el menaje de sus escenarios y su padre diseñaba y  fabricaba los esqueletos y armazones de los personajes.

Por decirlo en términos actuales dedicó una temporada a hacer sus propios “tutoriales” y experimentar técnicas a la vez que creaba su “reel”.

Interrumpió la creación de estos cuentos para colaborar con O´Brien en el film Might Joe Young (1949), del que realizaría la mayor parte de las animaciones del gorila y que ganó ese año el Óscar a los Mejores Efectos.

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Después llegaría  The Beast from 20,000 Fathoms (1953), It Came from Beneath the Sea ( 1955), Earth vs. the Flying Saucers (1956)…

Siempre se movió  en los terrenos de la fantasía y dio vida a enormes monstruos que aterrorizan y destruyen todo a su paso, seres mitológico, visitantes extraplanetarios…

Y en los 60 destaca sobre todo Jason and the Argonauts (1963), donde la famosa escena de la lucha con los esqueleteos le llevó animarla más de 4 meses. En ella logró sincronizar  los movimientos de 7 esqueletos con  3 actores que previamente habían memorizado la coreografía de la lucha

Más tarde llegarían las singulares One Million Years B.C. (1966), y  The Valley of Gwangi (1969). En esta última, una curiosa mezcla de vaqueros y dinosaurios, consigue una efecto de integración entre acción real y maqueta sin igual. En la escena en la que varios cowboys lanzan el lazo sobre el cuello de la bestia las cuerdas reales están perfectamente fusionadas con los cables que usó alrededor del cuello de la maqueta e incluso hoy en día sorprende analizar la escena y no ver dónde está el truco.

Ya en los 70 continúa la Saga de Sinbad  con The Golden Voyage of Sinbad (1973),  Sinbad and the Eye of the Tiger (1977) y finalmente  Clash of the Titans (1981),
marcan el final de su carrera.


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LEGADO

Ray se retiró a la vez que las computadoras y el CGI empezaron usarse en los VFX. Es indiscutible que la tecnología ha conseguido crear efectos mucho más realistas e integrados. Entre otro defectos, el stop motion carece de motion blur, cada frame es completamente nítido,  además la integración de color entre el background y las criaturas no siempre es posible con los efectos “in camera”… Pero esa imperfección les da un halo mágico, y él mismo afirmaba que los productos de la imaginación, no tienen por qué parecer cien por cien reales, pues son eso, fantasías animadas, renegando así del hiperrealismo.

No le faltaba razón y actualmente el stop motion se sigue utilizando y las producciones realizadas con esta técnica tienen ese pátina mágica de la que hablaba Ray, difícil de igualar con otros medios. Realizadores como Nick Park (Wallace and Gromit, Chicken Rubn), Tim Burton (Pesadilla Antes de Navidad, La Novia Cadáver) o Henry Selick (Jack y el Melocotón Gigante, Los Mundos de Coraline) dan buena cuenta de ello.

Pero hoy en día el hiperrealismo es ya una norma en las producciones de Cienca Ficción y Fantasía gracias a los avances en CGI y composición de imagen. Los ojos de los nuevos espectadores están ya acostumbrados a ello, entrenados a no distinguir lo real de lo imaginario, se han vuelto exigentes y ya no es cosa fácil provocar asombro… y para estos ojos, las animaciones de Harryhausen resultan algo “vintage”,  forman parte de otra época y otra manera de hacer las cosas.

Pero un día sus películas entretuvieron a toda una generación de niños que sí se sorprendían ante estos monstruos, ante estas criaturas animadas. Se quedaban boquiabiertos con sus aventuras y también soñaban con contar historias, tal como le ocurriera al propio Harryhausen al ver King Kong. Steven Spielberg, Peter Jackson, James Cameron, George Lucas… todos y cada uno de ellos en algún momento han confirmado lo importante que fueron en sus vidas las cintas de Ray. Sus criaturas despertaron en ellos la llama que años después les llevaría a dedicarse al cine y en concreto a la Ciencia Ficción. La Guerra de las Galaxia, Parque Jurásico, Avatar, El Señor de los Anillos…, y tantas otras, deben mucho más de lo que nos imaginamos al genial Ray Harryhausen.

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One Comment

  1. 6-26-2013

    Que grande!

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